Sejarah Musik: Paling Lengkap!

Sejarah Musik: Paling Lengkap! – Ada kemungkinan bahwa musik dan seni representasional saling terkait dalam sumber utamanya. Meskipun tradisi lisan telah memainkan peran penting sepanjang sejarah, sejarah—dan sejarah musik—dimulai dengan rekaman visual dalam arti kata formal.

Notasi musik, yang muncul dalam skala besar di semua peradaban dan menghasilkan rekaman yang sangat individual dari upaya artistik dalam dan dari dirinya sendiri, telah dibuat.


Sejarah Musik

Para biarawan abad pertengahan yang menyusun misa dan buku-buku liturgi lainnya untuk pelayanan ibadat berkembang dari peran mereka sebagai juru tulis menjadi seniman dalam hak mereka sendiri; hologram oleh Bach adalah salah satu karya seni Barok yang paling penting; dan pada abad kedua puluh, fase yang sama sekali baru dalam desain skor musik artistik diresmikan.

Untuk mereproduksi sumber utama musik dalam volume ini, seni grafis digunakan dalam berbagai cara, tetapi representasi suara musik itu sendiri, melalui seni notasi musik, adalah yang paling penting dari aspek-aspek ini.

Ada banyak sekali bentuk berbeda yang diambil dari representasi tertulis musik, termasuk huruf atau suku kata untuk mewakili nada individu dan simbol untuk mewakili kelompok nada.

Sebaliknya, pendekatan notasi yang lebih maju tidak hanya dipandu oleh keinginan untuk memperbaiki kesan langsung dari suara musik tertentu, tetapi juga oleh upaya untuk membuat tindakan pertunjukan musik secara keseluruhan.

Neume yang sangat ekspresif adalah tanda notasi yang akan memiliki dampak jangka panjang terbesar, dan dari merekalah gaya naskah musik yang umumnya bertahan berkembang.

Istilah ini berasal dari kata Yunani neuma, yang berarti “mengangguk” atau “gerakan”, dan dalam konteks khusus ini mengacu pada gerakan manual atau gerakan yang digunakan untuk menetapkan tingkat nada yang berbeda.

Ini mengacu pada aliran melodi yang ditunjukkan oleh pemimpin ansambel, dan digunakan untuk menggambarkan aliran nada dalam sebuah karya. Neume, yang banyak digunakan dalam praktik musik Timur dan Barat, selalu dikaitkan dengan penampilan vokal, yang sangat dibantu oleh kombinasi simbol musik dan teks verbal.

Biarawan Benediktin Guido dari Arezzo (sekitar tahun 1000), pembimbing sekolah paduan suara katedral di kota Italia utara itu dan seorang ahli teori dengan kemampuan pedagogis yang tidak biasa, memberikan kontribusi penting bagi pengembangan citra suara musik yang mudah dipahami.

Prestasi Guido adalah penempatan neume pada garis, yang digambar dalam warna berbeda untuk memberikan orientasi yang lebih baik dan untuk mewakili interval sepertiga. Pada dasarnya, ia menemukan fondasi sistem yang bertahan hingga hari ini dalam praktik kontemporer.

Metode Guido begitu cepat berhasil sehingga Paus Yohanes XIX, “hanya setelah instruksi singkat, dan yang mengejutkannya sendiri, mampu membaca melodi yang belum pernah dia dengar sebelumnya, tanpa membuat satu kesalahan pun,” dan dalam sekejap. kebanggaan yang dibenarkan, Guido menambahkan, “musica sine linea est sicut puteus sine fune” (“musik tanpa garis seperti sumur tanpa tali”).

Serangkaian penyempurnaan dalam definisi nada Guido diikuti oleh kemajuan yang sesuai dalam definisi durasi suara musik yang digambarkan secara grafis. Setelah beberapa waktu, penggunaan neume digantikan dengan penggunaan not berbentuk persegi dan kombinasi not dalam apa yang dikenal sebagai ligatur.

Terlepas dari kenyataan bahwa mereka jelas berasal dari bentuk neume, simbol-simbol baru ini melayani tujuan mereka dengan akurasi dan presisi yang lebih besar.

memberikan kontribusi yang signifikan terhadap sejarah musik Titik pertemuan pengaruh dari selatan dan timur bertabrakan dengan pengaruh dari utara dan barat, dan tradisi musik monofonik — melodi tanpa iringan — menjadi terjerat dengan perkembangan dalam menyelidiki harmoni beberapa suara di waktu yang sama.

Mereka membuka jalan bagi karya para master di Notre Dame di Paris dan di berbagai wilayah lain di Prancis utara, yang menjadi tokoh pertama dalam sejarah musik yang diakui sebagai komponis individu gaya pribumi di wilayahnya masing-masing.

Nilai nada panjang dan pendek dibedakan dalam pengaturan polifonik paling awal dari nyanyian dengan menerapkan mode ritmis kuno ke kelompok nada, yang disimpulkan dari meteran bait pada periode waktu tersebut.

Sebuah perbedaan dibuat antara gaya lama dan baru pada abad keempat belas (ars antiqua versus ars nova), dengan yang terakhir tercermin dalam penggunaan notasi yang menjauh dari sistem modal dan malah mengadopsi apa yang disebut notasi mensural, yang merupakan sistem pengukuran yang ketat.

Diferensiasi nilai nada meningkat, dengan penambahan bentuk berlian yang ditempatkan lebih tepat ke bentuk persegi yang ditempatkan secara horizontal; dan warna not berubah dari hitam menjadi putih seiring dengan meningkatnya diferensiasi nilai not (yaitu, garis hitam belaka dari bentuk not yang, sekali lagi, memastikan ketepatan notasi yang lebih besar).

Saat melihat misil dari Abad Pertengahan akhir dan awal Renaisans, dengan iluminasinya yang mewah, terkadang sulit untuk menentukan pencapaian artistik mana yang lebih besar: manuskrip itu sendiri atau seni yang diwakilinya. Kita sedang berhadapan dengan suatu periode di mana orang-orang belum sepenuhnya menyadari perbedaan antara seniman dan seniman yang akan menjadi umum di kemudian hari.

Namun, waktunya semakin dekat ketika karya juru tulis akan digantikan oleh yang diproduksi di pusat-pusat percetakan, yang minat dan pengaruhnya jauh melampaui lingkup artefak individu itu sendiri. Jelas bahwa proses pencetakan musik berkembang secara bertahap.

Pada awalnya, hanya garis yang dicetak, dengan neume yang dimasukkan dengan tangan, atau folio diproduksi dengan “pencetakan ganda”, dengan garis dicetak dengan warna merah dan catatan dicetak dengan warna hitam pada cetakan kedua setelah yang pertama.

Terlepas dari kenyataan bahwa pencetak pertama musik mensural, Venetian Ottaviano Petrucci, secara luas dianggap sebagai penemu seni mencetak musik dengan tipe bergerak untuk waktu yang lama, karyanya yang luar biasa (yang dimulai sekitar tahun 1500) sebenarnya didahului oleh itu. sejumlah toko percetakan di Benua utara.

Sebagai “zaman keemasan”, abad keenam belas ditandai dengan penciptaan ringkasan klasik seni polifoni vokal dalam musik sakral dan sekuler, di samping publikasi risalah tentang teori musik. Buku L’Istitutioni Harmoniche (1555, dicetak ulang pada tahun 1562 dan 1573), oleh Gioseffo Zarlino (1517-1590), Master of the Chapel di St. Mark’s di Venesia, menjadi terkenal di antara yang terakhir.

Itu diciptakan dalam semangat cita-cita kuno simetri dan proporsi, serta “harmoni semua bagian dalam kaitannya dengan keseluruhan,” yang dijelaskan oleh para penulis zaman kuno.

Zarlino, seperti penulis awal tentang perspektif, merasa terdorong untuk mengembangkan leksikon yang sama sekali baru untuk menggambarkan hubungan antara nada dan melodi dalam diskusinya yang menyeluruh.

Ketertarikannya pada pengukuran serta konsep pembagian dan inversi memberi karyanya otoritas yang melampaui bidang musik untuk mencakup seni rupa serta ilmu pengetahuan, dan banyak ilustrasi hias yang menyertai teksnya jauh melampaui tradisional. hiasan huruf awal yang disempurnakan.

Mereka menghasilkan desain ilmiah yang merupakan mitra sejati untuk pencetakan musik dekoratif yang populer selama periode waktu tersebut.

Dua bagian yang lebih besar dibentuk oleh penulis dengan menggabungkan empat bagian karya menjadi satu kesatuan. Masing-masing dari dua pasang esai pertama berkaitan dengan sifat konseptual dan fisik suara musik, sedangkan yang kedua berkaitan dengan teknik komposisi.

Alih-alih mengabaikan atau mengabaikan pembagian yang sudah berlangsung lama antara musica speculativ dan musica Activa—antara teori dan praktik, Zarlino justru mendamaikan keduanya. Guido telah merujuk ke dua domain dengan cara yang agak kuat, menggunakan syair terkenal untuk menggambarkannya:

Musicorum et cantorum magna est distantia

Isti dicunt, illi sciunt, quae componit musica

Ada kesenjangan yang signifikan antara musisi dan penyanyi.
Yang terakhir tampil, sedangkan yang pertama akrab dengan substansi musik.

Dikotomi Guido mendorongnya untuk membuat komentar polemik tentang “mereka yang melakukan apa yang tidak mereka ketahui”, yang telah bertahan selama berabad-abad meskipun banyak disalahpahami.

Terlepas dari kenyataan bahwa Zarlino menghubungkan bab pengantar tentang pembagian musik ke dalam cabang-cabang spekulatif dan praktis dengan “perbedaan antara musisi dan penyanyi,” ia secara signifikan mendefinisikan kembali ide dan istilah yang terlibat, karena ia berbicara tentang musico sebagai artis yang mampu untuk menilai tidak hanya suara tetapi juga “alasan yang terkandung dalam ilmu ini,” sedangkan prattico dianggap sejajar dengan musico dalam teksnya, sedangkan Dia menegaskan dengan tegas bahwa “musik praktis adalah seni tandingan,” dan bahwa domain teori dan praktik saling melengkapi daripada antagonis, seperti halnya dalam seni dan musik lainnya.

Referensinya pada praktik bermain serta menyanyi sangat penting, karena munculnya musik instrumental telah menimbulkan tantangan baru bagi polifoni serta notasinya pada masa Renaisans.

Contoh-contoh musik Zarlino masih dipertahankan dalam notasi buku paduan suara lama, di mana suara-suara terpisah ditempatkan di samping satu sama lain; dan persyaratan audisi untuk organis awal abad keenam belas, yang juga telah dipertahankan, menuntut kemampuan untuk menampilkan motet dari sejumlah buku bagian individu tertentu.

Penguasaan tekstur polifonik sebesar ini, di sisi lain, secara bertahap menjadi pencapaian yang langka. Ada satu pengecualian sejarah: pertemuan Mozart dengan musik paduan suara Bach, yang hanya tersedia di bagian terpisah di perpustakaan gereja St. Thomas di Leipzig karena kelangkaannya.

Merupakan kegembiraan bagi pengamat yang diam untuk menyaksikan betapa bersemangatnya Mozart duduk, dengan bagian-bagian di sekelilingnya — di kedua tangan, berlutut, di kursi di sebelahnya — dan, melupakan yang lainnya, tidak bangun lagi sampai ia telah melalui semuanya, menurut keterangan seorang saksi mata.

Ketika dihadapkan dengan tugas untuk menampilkan semua bagian komposisi polifonik pada satu instrumen pada abad keenam belas, sang organis segera menyadari bahwa ia perlu mentabulasinya dengan cara yang memungkinkan suara simultan dari bagian-bagian tersebut mudah dikenali. Dalam prosesnya, “tabulasi” yang dihasilkan menjadi identik dengan munculnya literatur keyboard awal dan menandai awal dari notasi skor keyboard modern.

Pengaturan skor sebenarnya sudah dikenal sejak lama sebagai ars antik, sebagaimana dibuktikan oleh fakta bahwa karya-karya sekolah Notre Dame muncul dalam bagian-bagian yang ditulis satu demi satu, meskipun tidak selalu benar-benar selaras satu sama lain.

Perangkat intabulasi itu sendiri juga lebih tua, tetapi mencakup berbagai notasi yang dapat diterapkan pada berbagai jenis musik instrumental yang berbeda. Menurut catatan sejarah, perangkat tablatur dapat ditelusuri kembali ke dunia kuno, ketika digunakan untuk notasi musik untuk instrumen seperti seruling atau sitar dalam sistem yang bertahan hingga tabulasi kecapi Renaisans.

Meskipun tradisi bertahan dalam contoh notasi modern, bukan rangkaian nada yang ditabulasikan dalam kasus ini, melainkan posisi relatif jari atau senar yang akan digunakan untuk menghasilkannya.

Berbeda dengan musik vokal, tabulasi musik keyboard polifonik mempertahankan hubungan langsung dengan skor awal musik vokal, dan mereka muncul di sejumlah tongkat yang mewakili suara yang berbeda dari komposisi, atau hanya pada dua tongkat, menunjukkan bagaimana ini suara harus digabungkan di tangan kanan dan kiri pemain, masing-masing.

Satu pengecualian penting adalah notasi tabulasi yang digunakan oleh organis Jerman, di mana nada tidak diidentifikasi oleh nada melainkan oleh huruf yang digunakan untuk menunjuk masing-masing nada. Karena fakta bahwa ini dilakukan dalam aksara Gotik, tabulasi organ Jerman menyajikan gambaran yang sangat sulit, yang dibuat lebih sulit lagi dengan penggunaan sejumlah simbol khusus.

Notasinya, di sisi lain, tepat. Pengaturan secara jelas dibagi menjadi ukuran dan bagian individu; ritme dilambangkan dengan guratan, titik, dan bendera; dan register dilambangkan dengan garis horizontal serta perbedaan antara penggunaan huruf kapital dan huruf kecil (di antaranya, menurut kebiasaan Jerman, b berarti b-flat dan h untuk b-natural).

Lebih dari segalanya, manuskrip dalam tabulasi organ Jerman berfungsi untuk mengingatkan pembaca modern tentang bagaimana juru tulis mendekati tugasnya sebagai bentuk seni pada awalnya. Dalam tabulasi organ Jerman, salah satu fitur yang paling mencolok adalah pemanjangan huruf yang kadang-kadang terjadi, seperti ketika huruf “f” diubah menjadi huruf “fis” (nama not Jerman untuk f-sharp).

Dalam apa yang dimulai sebagai bentuk singkat dari akhiran “adalah,” itu berkembang menjadi berkembang, yang telah menjadi ekspresi yang sangat khas dari seni notasi musik. Seni ini akhirnya dimuliakan dalam contoh-contoh yang terisolasi, seperti yang ditemukan dalam tanda tangan Handel dan Bach, dalam bentuk tabulasi organ Jerman, yang unik di Jerman.


Kemunculan Drama Musikal

Humanisme, atau studi tentang manusia, adalah istilah yang digunakan untuk menggambarkan kehidupan intelektual Renaisans, dan penulis pertama yang menggunakan istilah Renaisans, sejarawan Prancis Jules Michelet, merujuk pada kebangkitan kembali atau “kelahiran kembali” budaya kuno sebagai keduanya.

la découverte du monde dan la découverte de l’homme—penemuan dunia dan penemuan manusia. Fakta bahwa beberapa dokumen dalam koleksi ini, yang berasal dari dekade terakhir abad keenam belas, memiliki tanda tangan pribadi menunjukkan periode waktu.

Sementara dalam sejarah dokumenter, tanda tangan menjadi fokus, dalam sejarah bergambar, potret menjadi fokus saat tanda tangan menjadi fokus.

Musik Barat selama berabad-abad terutama berorientasi pada kebaktian, tetapi era baru seni mulai tidak terlalu berorientasi pada hubungan manusia dengan Tuhan seperti pada hubungannya dengan sesama manusia. Sarana ekspresi utamanya bukan lagi liturgi, melainkan drama dan tragedi kemanusiaan.

Di salah satu istana Florentine, sebuah akademi terpelajar mengadakan diskusi yang ditujukan untuk kebangkitan seni dramatis kuno, dan secara luas diyakini bahwa diskusi ini menghasilkan penciptaan drama musik. Nama Camerata, yang masih digunakan kelompok itu, menunjukkan fakta bahwa perkembangan penting dalam musik telah berpindah dari gereja ke kamera, atau ruang pangeran, di mana mereka dapat didengar.

Namun, para sarjana dan seniman Camerata sama sekali bukan pelopor musik dramatis, dan pengaruh praktik musik sakral tidak berkurang sebagai akibat dari perkembangan musik dramatis.

Dua orang Venesia terbesar pada masa itu, Gioseffo Zarlino dan Giovanni Gabrieli, keduanya diwakili dalam koleksi ini dengan tanda tangan, keduanya adalah musisi gereja, melayani di Basilika St. Markus di Grand Canal.

Namun, karya Gabrieli, yang ketenarannya jauh melebihi semua musisi lain pada masanya, menandai dimulainya era baru, gaya musik baru yang benar-benar dramatis.

Misalnya, berbeda dengan musik Palestrina, yang ditulis untuk Kapel Kepausan dan diilhami oleh ide-ide retrospeksi, musik Gabrieli bersifat progresif, dan kadang-kadang bahkan bersifat revolusioner.

Sebuah gaya “konser”, di mana beberapa paduan suara bersaing satu sama lain dalam pengungkapan kemegahan resonansi, dan di mana “paduan suara” instrumen mulai mengambil peran independen, lebih disukai oleh generasi ini.

Sangat menarik untuk dicatat bahwa tanda tangan Gabrieli ditemukan di sebelah tanda tangan Heinrich Julius, Adipati Brunswick, yang merupakan salah satu pelindung musik paling menonjol di era baru serta telah menerima pelatihan musik formal sendiri.

Sebaliknya, nama Antonio Goretti, Giovanni Battista Buonamente, dan Luigi Battiferri membawa kita ke generasi musisi gereja yang berpengalaman dalam gaya dramatis sekuler, yang paling terkenal adalah Claudio Monteverdi, yang terbesar dari semuanya.

Kami berada di hadapan salah satu tokoh tinggi yang karyanya membentuk sebuah zaman dalam sejarah komposisi musik. Monteverdi lahir pada tahun 1567 di Cremona, kota pembuat biola terkenal, dan menerima pelatihan awalnya dalam seni kontrapuntal lama dari Marco Antonio Ingegneri, master terkemuka Kapel Katedral.

Namun, sebagai pemain biola dia diangkat ke istana bangsawan Mantua ketika dia masih muda. Segera setelah itu, dia diangkat ke posisi penyanyi yang lebih bergengsi, dan seiring waktu, dia bertanggung jawab atas semua musik instrumental dan vokal di pengadilan.

Pada pergantian abad, ia telah memantapkan dirinya sebagai eksponen terkemuka dari apa yang disebut sebagai “nuove musiche” dan “nuova maniera di scriverla” (“musik baru” dan “cara baru menulisnya”) dalam karya-karya salah satu orang sezamannya, pemain luten dan penyanyi Florentine Giulio Caccini (“musik baru” dan “cara baru menulisnya”), tetapi yang diserang oleh orang kontemporer lainnya, Bolognes (“ketidaksempurnaan musik modern”).

Ketika dihadapkan dengan tuduhan terakhir ini, Monteverdi menanggapi dengan pernyataan terkenal di mana dia menegaskan bahwa ketidaksempurnaan yang dituduhkan sebenarnya adalah kesempurnaan; bahwa yang terlibat adalah gaya baru dengan legitimasinya sendiri; dan bahwa itu mewakili “Latihan Kedua,” yang didalilkan oleh persyaratan musik dramatis, di mana prinsip-prinsip “Latihan Pertama,” yang dikodifikasikan oleh Zarlino, tidak lagi berlaku.

Serupa dengan bagaimana abad keempat belas mendeklarasikan sebuah ar nova dalam musik, kemunculan abad ketujuh belas membentuk periode gaya baru yang, pada kenyataannya, berfungsi sebagai titik awal untuk banyak periode berikutnya.

Selama tahun 1607, Monteverdi diberi komisi pengadilan untuk menulis “fabel musikal”, yang didasarkan pada legenda Orpheus, penyanyi mitos yang seninya menggerakkan kekuatan alam dan mengalahkan roh-roh gaib. Opera Orfeo menjadi karya Monteverdi yang paling terkenal.

Karyanya memanfaatkan kekayaan ekspresi musik yang telah dihasilkan selama Renaisans dan menggunakannya dalam pelayanan drama.

Orfeo adalah tanda perubahan zaman yang tidak lagi hanya mengandalkan ekspresi vokal untuk efek dramatis, tetapi juga ekspresi instrumental, seperti yang ditunjukkan oleh penggunaan ekspresif instrumen Monteverdi sendiri, biola, untuk memperkenalkan lagu klimaks Orpheus, yang berfungsi sebagai metafora untuk berlalunya waktu.

Prestasi Monteverdi jauh melampaui pencapaian tujuan Camerata. Musik itu sendiri yang menang melalui karyanya dalam kelahiran kembali drama kuno, daripada pemain individu mana pun.

Meskipun “musik baru” teater segera dimasukkan ke dalam musik gereja, tidak selalu demikian. Pada tahun 1613, setahun setelah kematian Gabrieli, Monteverdi diangkat menjadi Master Kapel di Basilika St. Markus.

“Concerto suci” mengambil tempat yang tepat di samping misa dan motet, dan dari sinilah kantata gereja Protestan muncul, untuk Heinrich Schütz, komposer gereja Jerman terbesar selama periode ini, yang telah belajar dengan Gabrieli dan Monteverdi, membawa bentuk-bentuk baru ke Jerman dari rekan-rekan Italia mereka.

Giovanni Battista Buonamente, seorang murid Monteverdi yang kurang dikenal, mungkin telah berbagi dengan Schütz perbedaan menjadi komposer pertama musik dramatis di luar Pegunungan Alpen.

Karya-karyanya, seperti karya Monteverdi, yang aktif sebagai pemain biola di istana Gonzagas di Mantua, mulai menampilkan unsur keahlian instrumental yang tidak ada dalam karya-karya sebelumnya. Mereka menunjukkan kecepatan yang gaya dramatis telah meresap semua aspek praktek musik pada saat penciptaan mereka.

Setelah sonata, yang menggantikan kantata sebagai bagian yang “dibunyikan” daripada “dinyanyikan”, akhirnya mengarah ke konser instrumental, di mana satu atau lebih solois dipilih dari orkestra sebagai sarana untuk mengekspresikan sentimen ini.

Namun, dalam skala yang lebih luas, itu terus melayani tujuan menyediakan musik untuk panggung. Buonamente mulai melayani di istana Kaisar Ferdinand II pada kesempatan pernikahan Putri Eleanora Gonzaga dengan Kaisar Ferdinand II.

Surat-suratnya kepada Pangeran Cesare Gonzaga memberikan gambaran yang jelas tentang musik istana Kekaisaran, dan deskripsinya tentang Comedia Pastoral meningkatkan kemungkinan bahwa dia adalah komposer musik instrumental untuk tarian dalam karya tersebut.

Sebaliknya, sesuai dengan asal kata Yunani, itu menunjukkan hiburan meriah yang disajikan melalui lagu. Istilah “Comedia” tidak memiliki konotasi yang sama dengan drama “komik” kemudian.

“Saya mati dengan keinginan,” tulis Antonio Goretti dalam surat yang ditulis di Parma pada 28 Februari 1628, mengungkapkan keinginannya untuk kembali dari Parma ke Ferrara untuk menghadiri Comedia dell’Arte yang akan datang di kota itu. Goretti adalah pelindung musik terkemuka dan teman Monteverdi.

Surat itu dilaporkan ditujukan kepada Marchesa Bentivoglio, yang mewakili salah satu keluarga aristokrat Ferrara dan dengan siapa Monteverdi dan Goretti sedang berkunjung pada saat penulisan surat tersebut.

Sejak tahun-tahun awalnya bekerja untuk istana Mantua, Monteverdi telah memelihara hubungan dekat dengan istana tetangga Ferrara dalam berbagai kapasitas.

Pengadilan, gereja, dan teater di Ferrara semuanya berkembang karena dukungan dari berbagai akademi, masyarakat terpelajar, dan organisasi amal, yang semuanya memiliki perusahaan musik sendiri pada saat kota itu didirikan. Monteverdi telah mendedikasikan Buku Madrigals Keempatnya untuk salah satu dari mereka, Accademia degli Intrepidi, yang merupakan karya pertama yang memicu kontroversi dengan Artusi.

Ini adalah karya Monteverdi pertama yang memicu kontroversi dengan Artusi. Akademi yang paling terkenal adalah Accademia della Morte (yang awalnya merupakan ordo monastik yang didedikasikan untuk membantu mereka yang dijatuhi hukuman mati), dan di antara direktur musik terkemukanya adalah Luigi Battiferri, yang dipuji sebagai master seni kontrapuntal sebagai terlambat seperti waktu Bach.

Terlepas dari kenyataan bahwa akarnya dapat ditelusuri ke seluruh Eropa, Renaisans pada dasarnya adalah gerakan Italia. Bagi mereka di belahan bumi utara, itu disertai dengan Reformasi, yang akan mendorong dunia utara ke dalam Perang Tiga Puluh Tahun, yang akan berlangsung selama satu generasi.

Itu memiliki dampak yang mendalam pada semua aspek kehidupan budaya, dan karya seorang komposer sekaliber Schütz menjadi saksi fasih kesulitan waktu.

Ketika dia mengawali cetakan karyanya, dia mengacu pada “masa-masa menyedihkan yang masih dialami tanah air kita tercinta,” dan dia menawarkan saran kepada pemain tentang bagaimana komposisinya dapat dilakukan dengan cara yang lebih murah daripada yang dibutuhkan dalam cetakan. untuk m.

Meskipun demikian, awal abad ketujuh belas melihat pergeseran signifikan dari teks-teks Latin dalam manuskrip dan edisi musik yang diterbitkan, khususnya di bidang musik.

Dengan terjemahan Alkitab Luther, bahasa Jerman telah memantapkan dirinya sebagai bahasa sastra, dan sementara sebelumnya kita hanya berurusan dengan bahasa Latin dan Italia dalam dokumen-dokumen koleksi ini, sekarang kita memiliki di depan kita sejumlah besar karya di mana teks-teks di utara bahasa mendominasi.

Terlepas dari kenyataan bahwa kebangkitan drama musik melampaui Pegunungan Alpen, ia menemukan ekspresinya yang paling kuat dalam liturgi Protestan.

Dalam bagian paling awal dari musik gereja Protestan yang diwakili di sini, kita diperkenalkan kepada seorang komposer yang relatif tidak dikenal bernama Johannes Wanning.

Selain menjadi salah satu dari banyak musisi yang telah melakukan perjalanan dari Belanda ke Jerman, komposer yang subur dan imajinatif ini adalah perwakilan sejati dari bentuk seni yang berkembang dengan baik yang dengannya gereja baru mulai menyerap pengaruh drama musik. pada saat penulisannya.

Terlepas dari kenyataan bahwa teks-teks Latin masih menonjol dalam musiknya, itu menunjukkan gaya utara yang jelas. Dia menghabiskan sebagian besar hidupnya di Danzig, salah satu pelabuhan Hanseatic, di mana pemasangan organ baru di Gereja St. Mary telah “menimbulkan sensasi di seluruh Eropa,” menurut penulis biografinya.

Selama Reformasi Protestan, benua itu dibagi menjadi dua bagian yang berbeda: selatan Katolik dan utara Protestan. Tidak pernah ada garis pemisah yang jelas, juga tidak tetap tanpa berbagai kantong di utara dan selatan garis.

Namun, tidak ada keraguan bahwa pembagian ini menghasilkan pergeseran tertentu dalam keseimbangan kekuasaan. Italia telah menjadi “nyonya dari negara-negara lain,” menurut Padre Giambattista Martini, guru muda Mozart, ketika ia membuka risalahnya yang terkenal pada tandingan dengan pernyataan bahwa abad keenam belas telah mengubah seni musik dan menjadikan Italia “nyonya dari bangsa lain.”

Hegemoni ini berangsur-angsur berkurang selama berabad-abad, meskipun bukan tanpa meninggalkan bekas yang bertahan lama di seluruh dunia sebagai akibat dari kontribusi Italia. Ketika datang ke terminologi musik, bahasa Italia telah menjadi internasional.

Namun demikian, di negeri-negeri di mana bahasa Jerman digunakan secara luas, perbedaan antara musik Katolik dan Protestan mulai terlihat.

Demikian pula, karya Christoph Demantius dan Christoph Bernhard mewakili generasi Protestan Jerman yang datang sebelum dan sesudah Schütz, sedangkan nama Wolfgang Ebner mengingatkan pada sekolah komposer yang berbeda yang karyanya membentuk gaya yang akan memberikan pengaruh abadi pada istana Katolik kekaisaran Wina pada abad-abad berikutnya Schütz.

Bass generalis atau basso continuo, bass menyeluruh yang mengiringi melodi vokal dengan dukungan harmonik dari keyboard atau instrumen chordal lainnya serta berbagai instrumen bass, adalah elemen gaya yang menjadi ciri kebangkitan musik dramatis di seluruh dunia.

Karena dibawakan oleh dirigen sendiri di keyboard dengan bantuan instrumen bass, itu menjadi dasar yang kuat untuk struktur musik yang didominasi oleh ekspresi dramatis dari penampilan vokal atau instrumental solo.

Aturannya berkembang secara bertahap, dan merupakan karakteristik musik gereja Demantius bahwa tekstur polifonik, meskipun cenderung ke arah polaritas suara luar, dipertahankan tanpa menggunakan pengiring kontinu.

Kecenderungan politiknya konservatif, meskipun karyanya yang paling signifikan, St. John Passion for six-part choir, meramalkan bentuk di mana musik gereja Protestan pada akhirnya akan mencapai puncaknya.

Christoph Bernhard, siswa Schütz yang paling terkenal, lahir di Danzig, kota tempat Wanning aktif, tetapi ia menerima pelatihannya baik di Italia maupun di negara asalnya.

Dalam tulisan teoretis mani, ia menjabat sebagai katalis untuk transmisi seni kuno polifoni ke generasi baru musisi.

Dengan belajar di bawah Schütz, ia menjadi berpengalaman dalam “cara Palestina,” atau gaya akapela. Namun, itu di concertos suci, yang didasarkan pada komposisi Schütz, bahwa gaya kontinum modern telah mapan.

Itu adalah Dietrich Buxtehude, mentor dari Bach muda, yang merupakan pengaruh langsung pada karya-karya Bernhard, dan ke eranyalah kehidupan Bernhard akan diperpanjang.

Perkembangan seni keyboard Wina pada abad ketujuh belas dapat kita telusuri melalui karya Eberner, yang seringkali dibayangi oleh karya kontemporer Johann Jakob Froberger yang lebih terkenal.

Awalnya disusun untuk ansambel instrumental, suite dansa sekarang ditampilkan sebagai bentuk musik keyboard yang sopan, menggabungkan unsur-unsur gaya Prancis, Jerman, dan Inggris dengan pengaruh Wina asli.

Ini adalah salah satu bentuk musik ansambel instrumental tertua yang masih dilakukan sampai sekarang. Karena musik keyboard Ebner sangat dihormati, namanya sendiri muncul di samping nama Alessandro Poglietti dan Giuseppe Antonio Paganelli dalam salinan komposisi yang bertahan, keduanya adalah komposer keyboard terkenal Italia yang memulai karir di tanah Jerman.

Ebner menjabat sebagai organ pengadilan kekaisaran bersama Froberger, meskipun karena perjalanan ekstensif yang terakhir, ia sering ditinggalkan untuk melaksanakan tanggung jawab posisi ini sendiri juga.

Dia akhirnya menggabungkan posisi istananya dengan Master of the Chapel di Katedral St. Stephen, di mana Johann Pachelbel menjabat sebagai organis untuk jangka waktu tertentu di tahun-tahun berikutnya.

Koleksi ini berisi contoh karya Pachelbel, yang belum diterbitkan, dan yang telah sampai kepada kami dalam salinan oleh Heinrich Nikolaus Gerber, salah satu murid Bach, menunjukkan sejauh mana pengaruhnya. Generasi saling terkait.

Komposer, Pachelbel, telah pindah ke Eisenach, tempat kelahiran Johann Sebastian Bach, di mana ia memegang posisi organ pengadilan untuk waktu yang singkat dan berteman dengan ayah Bach, yang bertanggung jawab atas musik kota.

Melalui kakak tertua Bach, Johann Christoph, yang keluarganya pindah ke Bach ketika dia kehilangan orang tuanya ketika dia masih kecil, dia diperkenalkan dengan profesi organis. Pachelbel adalah guru Bach, dan melalui dialah dia diperkenalkan dengan profesi organis.

Saat kita bergerak lebih dekat ke waktu Bach dan Handel, kita memasuki periode di mana dua bidang musik, sementara tampaknya telah menyimpang dalam tujuan dan gaya selama abad ketujuh belas dan kedelapan belas, secara fundamental tetap terkait satu sama lain dalam asal-usul mereka.

Lebih sulit untuk memberi penghormatan kepada puncak suatu era daripada melacak asal-usulnya. Istilah Barok, yang sekarang diterima secara luas dalam sejarah seni, dipinjam dari sejarah musik untuk menggambarkan karakteristik yang dimiliki oleh karya-karya musik dari abad ketujuh belas dan paruh pertama abad kedelapan belas, menurut sejarawan musik.

Itu selalu sulit untuk menunjuk zaman karena secercah masa lalu yang tak terpisahkan bercampur dengan perkembangan yang menandakan masa depan. Istilah basso continuo age diciptakan oleh sejarawan musik sebagai alternatif, sebutan yang lebih tepat untuk apa yang kemudian dikenal sebagai periode tertentu dari sejarah musik.

Terlepas dari kenyataan bahwa lebih memakan waktu, itu memberikan pemahaman yang lebih langsung tentang gaya yang dimaksud, karena kriteria teknis iringan bass menyeluruh terkait erat dengan munculnya bentuk seni dramatis yang mendominasi musik pada masa itu dan ditemukan puncak mereka dalam karya Bach dan Handel.

Nama dua komponis besar, keduanya lahir pada 1685, secara tradisional dikaitkan satu sama lain, seperti nama Palestrina dan Orlando di Lasso, yang keduanya meninggal pada 1594, dan lainnya.

Namun, dalam percabangannya, upaya untuk memperoleh semacam periodisasi dari tanggal-tanggal ini tetap tidak akurat, seperti halnya upaya untuk menarik kesejajaran yang jelas antara warisan artistik dan misi para komposer.

Bach dan Handel sama-sama lahir di kota Saxon yang jaraknya kurang dari seratus mil, dan mereka berdua memulai karir musik mereka dalam konteks Gereja Protestan Jerman. Warisan musik gereja Protestan, di sisi lain, diturunkan ke kehidupan dua tuan dalam berbagai cara.

Bach, yang lahir dalam keluarga musisi kota dan gereja, adalah pewaris tradisi yang, terbentang lebih dari satu abad sebelum zamannya dan berlanjut dari generasi ke generasi setelahnya, mewakili sejarah turun-temurun yang benar-benar unik dalam komposisi musik. Handel adalah satu-satunya musisi yang muncul dalam silsilah yang membentang lebih dari dua abad.

Keluarganya adalah keluarga borjuis kaya, di mana kecenderungan artistik dan intelektual lebih banyak diwakili melalui perdagangan dan pelayanan pandai emas daripada melalui seni dan humaniora pada umumnya. Ayahnya, seorang dokter istana, telah menyatakan ketidaksenangan dengan pengejaran putranya dalam karir musik di masa lalu.

Ini mungkin membantu menjelaskan jalan yang berbeda yang diambil oleh kehidupan profesional kedua individu. Bach terikat pada warisan artistik yang luar biasa; Handel, di sisi lain, adalah seorang seniman yang mempertahankan kemandirian artistik yang lengkap sepanjang hidupnya.

Perkembangan karya Bach terjadi seluruhnya di tanah Jerman, sedangkan karya Handel menyebar ke seluruh Eropa, menjadi bahasa Italia, dan akhirnya di-Anglicized sedemikian rupa sehingga musik Inggris menjadi sepenuhnya dipengaruhi oleh gaya Handelian.

Namun, dalam kantata gereja Jerman Bach dan pengaturan Passion, serta dalam oratorios Inggris Handel, drama musik dari apa yang kemudian dikenal sebagai zaman Barok mencapai puncaknya dan mencapai puncaknya.

Ini juga merupakan puncak dari kehidupan para komposer yang menjadi perhatian dokumen-dokumen di depan kita. Selain fakta bahwa itu adalah yang terakhir kita miliki dari tangan Bach, tanda tangannya juga merupakan dokumen sejarah yang penting karena itu adalah yang terakhir kita miliki dari tangannya.

Bahkan, karena penglihatan sang master yang memburuk, tanda tangan dengan tanggal terbaru harus diberikan oleh putranya Johann Christian. Lebih jauh, mereka membuktikan fakta bahwa tanggung jawab Bach sebagai musisi dan pejabat gereja tidak berubah.

Sebuah kebetulan serupa terjadi di tanda tangan Handel yang ditulis dalam waktu singkat sebelum timbulnya kebutaan. Meskipun kekuatannya memudar, ia berhasil bertahan selama satu dekade lagi, di mana karyanya terutama dikhususkan untuk oratorio bahasa Inggris, bentuk yang ia anggap sebagai ciptaannya yang paling orisinal.

Operetta, yang hampir sepenuhnya mengambil alih kehidupan musik di Italia, mengalami nasib yang sangat berbeda di negara-negara yang terletak di utara Pegunungan Alpen.

Karya seorang Italia, Giovanni Battista Lulli, yang, sebagai Jean Baptiste Lully, memberi opera kedok Prancis dan memperkuat sifatnya dengan memberikan fitur yang menonjol, pembukaan, yang pada gilirannya dikombinasikan dengan balet opera untuk membentuk suite orkestra, bertanggung jawab atas kebangkitannya menjadi terkenal di pengadilan di Prancis.

Setelah dihancurkan oleh perang yang berkecamuk pada paruh pertama abad ketujuh belas, opera hanya secara bertahap diterima di masyarakat Jerman, dan untuk waktu yang lama dianggap terutama sebagai impor dari Italia, seperti halnya di seluruh Eropa.

Karena dipisahkan dari asal-usul opera oleh benua dan laut, opera di Inggris dianggap sebagai “hiburan yang eksotik dan irasional,” dalam kata-kata satiris Samuel Johnson, dan karena itu dilarang.

Tidak seperti Jerman, di mana drama musik telah memasuki kantata Protestan dan latar dramatis dari kisah Injil, Inggris telah menolak perkembangan ini sampai tingkat yang signifikan.

Ketika Opera Pengemis (1728) ditulis secara terbuka menentang pengenalan opera Italia Handel kepada penonton London, istilah opera diperkenalkan ke dalam musik Inggris untuk pertama kalinya.

Setelah bertahun-tahun persiapan dan dukungan dari aristokrasi Inggris, perusahaan opera Handel, yang menjadi tantangan utama untuk menyerap daya tarik komposer, akhirnya gagal. Opera, yang sangat bergantung pada penyanyi Italia yang ketenaran dan keahliannya menjadi daya tarik utamanya, tidak diragukan lagi asing bagi audiens berbahasa Inggris yang lebih luas.

Teks-teks Italianya, yang membahas intrik dari sejarah yang tidak dikenal, tidak memiliki arti bagi orang-orang yang mendengarkannya.

Dan, sebagai hasil dari pertempuran yang berkepanjangan antara komposer dan pendengarnya, oratorio bahasa Inggris muncul sebagai solusi, sebuah bentuk baru di mana teks-teks bahasa Inggris, yang dipilih terutama (meskipun tidak secara eksklusif) dari Perjanjian Lama, disajikan oleh penyanyi Inggris (atau seniman asing yang telah menyesuaikan penampilan mereka dengan bahasa Inggris). Pada akhirnya, itu adalah bentuk yang mengangkat komposer ke status pahlawan nasional.

Di Inggris, Reformasi telah mendirikan Gereja Negara; namun, terlepas dari semua reaksi kekerasan terhadap kecenderungan “kepopuleran”, ritus Anglikan tetap lebih dekat dengan ritus Romawi daripada Protestantisme Jerman, terlepas dari Reformasi.

“Jenius sejati dari Restorasi,”3 Henry Purcell adalah salah satu orang pertama di Inggris yang secara terbuka merangkul bentuk-bentuk dramatis baru, dan dalam karya-karyanya yang sakral dan sekuler musik abad ketujuh belas Inggris menemukan ekspresinya yang paling indah.

Karena kematian dini Purcell yang tragis, John Blow, seorang komposer berbakat meskipun bertubuh kecil, menjadi terkenal sebagai musisi Inggris terkemuka di tahun-tahun memudarnya abad ketujuh belas.

Sebagai komposer istana dan Master of the Chapel Royal, dia adalah guru dan pendahulu Purcell, tetapi dia juga, pada akhirnya, penerus Purcell. Dalam lagu dan odenya, kita menemukan apa yang telah menjadi bentuk dominan musik Inggris, bentuk yang akan terus memainkan peran penting dalam perkembangan oratorio Inggris di abad-abad berikutnya.

Tanda tangan komposer di sudut kanan atas menunjukkan nama samarannya “Melante.” Meskipun dicoret, pola biasa dari pembukaan Prancis, dengan ritme titik-titik pada bagian pembukaan dan fugue berikutnya dalam gerakan berirama yang lebih hidup, dapat dikenali dengan jelas.

Tema untuk yang terakhir, direvisi pada akhir empat tongkat terakhir, muncul di sana dalam kontur melodi yang lebih menonjol daripada versi sebelumnya di atas.

Sejarah adalah ilmu yang paling parsial. Ketika itu menjadi terpikat pada seorang pria, ia mencintainya dengan cemburu; itu bahkan tidak akan mendengar orang lain.

Sejak hari ketika kehebatan Johann Sebastian Bach diakui, semua yang hebat dalam hidupnya menjadi kurang dari tidak sama sekali. Dunia hampir tidak bisa memaafkan Handel atas kekurangajarannya karena telah memiliki kejeniusan sebesar Bach dan kesuksesan yang jauh lebih besar.

Sisanya telah menjadi debu; dan tidak ada debu yang sekering debu Telemann, yang harus dibayar oleh keturunannya untuk kemenangan kurang ajar yang dia menangkan atas Bach dalam hidupnya.

Kata-kata ini oleh Romain Rolland, penulis dan sejarawan musik Prancis, agak digantikan pada tahun-tahun yang lebih dekat dengan zaman kita, dan mereka mencirikan berbagai pendekatan yang dilakukan anak cucu ke klimaks dari suatu zaman.

Karya dramatis terbesar Telemann ditulis pada saat Mozart menyusun sonata dan simfoni pertamanya, dan penilaian apa pun yang diberikan kepadanya, dia adalah master termasyhur terakhir dari musik Baroque.

Exit mobile version